Naturalezas por venir
Swab Video 2026
Natures to Come
Swab Video 2026
¿Qué significa habitar un tiempo en el que la naturaleza ya no puede pensarse como lo opuesto a la simulación?
La selección de 2026, por primera vez resultado de una convocatoria abierta para proyectos presentes en la edición, plantea de forma misteriosa una temática común, mostrando un tiempo de transformación radical de aquello que entendemos por cuerpo, identidad, memoria, paisaje y realidad. Para los artistas participantes, lo tecnológico no aparece necesariamente como un territorio artificial enfrentado a un mundo natural originario. Es ya parte del entorno que habitamos: atraviesa nuestros cuerpos, nuestros afectos, la manera en que nos representamos y también la forma en que imaginamos el pasado y el futuro.
Quizá por eso, más que hablar de una oposición entre lo natural y lo artificial, el programa nos invita a preguntarnos si esa distinción continúa siendo posible.
La selección de estas obras representa un ecosistema de preguntas. ¿Qué significa ser humano cuando podemos intervenir sobre el cuerpo? ¿Qué entendemos por naturaleza cuando nuestra percepción del planeta está mediada por datos, imágenes digitales y simulaciones? ¿Cómo podemos percibir fenómenos que se despliegan en escalas espaciales y temporales que exceden nuestra propia existencia? ¿Qué sucede con la memoria cuando puede adquirir una nueva forma tecnológica? ¿Cómo construimos una identidad cuando el cuerpo es simultáneamente organismo, imagen, interfaz y territorio social? ¿Y dónde encontramos comunidad dentro de una sociedad cada vez más conectada y, al mismo tiempo, profundamente fragmentada?
Tal vez lo que está emergiendo no sea una sociedad que haya abandonado la naturaleza para entrar definitivamente en lo artificial. Quizá estemos asistiendo a algo más ambiguo: una generación que necesita redefinir qué entiende por naturaleza.
Una naturaleza que incluye cuerpos transformables, identidades móviles, memorias digitalizadas, datos planetarios, corrientes oceánicas, agua ancestral, imágenes construidas, ADN y máquinas. Una naturaleza que obliga también a reconsiderar nuestra escala, nuestra responsabilidad y las formas de cuidado posibles ante procesos que no podemos abarcar por completo. Un mundo donde tecnología y naturaleza ya no ocupan extremos opuestos, sino que se contaminan, se modifican y se producen mutuamente.
Estas obras hablan desde ese umbral. No describen todavía un mundo nuevo, pero permiten observar algunas de sus primeras formas: una sociedad joven que intenta reconocerse en un planeta profundamente alterado mientras ensaya otras maneras de construir cuerpo, identidad, comunidad y pertenencia.
The Cenote Ring
Paola Estrella
Ethereal Maison (Londres)
2021. Duración: 11'
The Cenote Ring, de Paola Estrella, parte de los cuerpos de agua subterráneos del anillo de cenotes de Yucatán para conectar temporalidades que exceden la escala humana: desde el impacto del asteroide que produjo esta formación geológica hasta las cosmologías vinculadas a los cenotes y la actual crisis ecológica. Grabaciones de campo, datos en tiempo real de objetos cercanos a la Tierra, síntesis generativa y sonido espacial se incorporan al paisaje sin sustituirlo. La tecnología funciona aquí como una herramienta para aproximarse a aquello que nos excede, imaginarlo y reconocer nuestra pertenencia a un entorno que contiene tiempos mucho más amplios que los nuestros.
AMOC
Marta Royo-Llonch (shook studio)
Herrera Gallery (Barcelona)
(Ayudas FCRI 2025)
2023. Duración: 9'22'
De las profundidades geológicas a las grandes circulaciones oceánicas, AMOC, de Marta Royo, desplaza esta cuestión hacia otra escala planetaria. El sistema de corrientes que redistribuye calor, oxígeno y nutrientes a través del planeta se convierte en el punto de partida para pensar nuestra relación con fenómenos difíciles de percibir desde la experiencia cotidiana. Narración poética, investigación oceanográfica e imágenes digitales generativas establecen una conversación entre el océano Atlántico, el conocimiento científico y la mirada de la artista. Frente a una sociedad cada vez más acelerada y una circulación oceánica que muestra signos de debilitamiento bajo el cambio climático, la obra se pregunta qué formas de cuidado, responsabilidad y futuros poscrecimiento podrían surgir al reconocer nuestra pertenencia a estos sistemas.
Bicho de Luz
Juan Pablo Piñero, en col·laboració amb Skyland Dallal Rice, Tomas Levita & Violeto
casa espacio (Barcelona)
2025. Duración: 8'
Bicho de Luz, de Juan Pablo Piñero, amplía nuestra mirada al explorar temporalidades y procesos que exceden las capacidades humanas. Pintura, vídeo, música y paisaje sonoro construyen un espacio de transición donde luz, imagen, vibración y naturaleza parecen formar parte de un mismo ecosistema. El recorrido onírico entre distintos estados y universos desdibuja progresivamente las fronteras entre materia e imagen. El paisaje puede ser simultáneamente físico, imaginado y tecnológico, hasta hacer difícil determinar dónde termina aquello que llamamos naturaleza y dónde comienza su construcción.
Pero esa condición híbrida no afecta solamente al mundo exterior. Afecta también al cuerpo.
I’m Not A Girl (Not Yet A Woman)
Lana May Fleming
Temporary Address (Dublín)
2024. Duración: 4'
En I’m Not A Girl (Not Yet A Woman), Lana May Fleming imagina las consecuencias de los organismos genéticamente modificados y de la edición genética humana. El ADN se convierte en un nuevo territorio de diseño en el que podrían encontrarse tendencias cosméticas, ideales transhumanistas y cánones de belleza. La obra proyecta un futuro extraño pero cada vez menos inconcebible en el que el cuerpo deja de ser únicamente una condición recibida para convertirse potencialmente en algo editable. La identidad queda situada entre biología, deseo, imagen y tecnología, cuestionando qué podemos seguir considerando natural cuando nuestra propia constitución física puede ser intervenida.
Proud Humans
Juan Guillermo Escobar (Tigree)
Ona Galeria (Havana)
Duración: 2'32''
Proud Humans, de Tigree Escobar, aborda la transformación de la identidad contemporánea a través del arte drag y de nuevas formas de expresión que desbordan las categorías tradicionales de género y sexualidad. El cuerpo aparece como un espacio desde el que construir otras maneras de mostrarse, reconocerse y encontrar una voz propia. Desde una perspectiva latinoamericana, la obra recorre distintos contextos culturales, de Bogotá y La Habana a Ciudad de México y Nueva York, para mostrar cómo estas prácticas generan nuevas estéticas y espacios de representación, ampliando las posibilidades de ser y construir identidad.
Turbo Dum
Abel Kabel & Siri Feil
Ulstrup Gallery (Copenhague)
2023. Duration: 13'
Turbo Dum, de Abel Kabel y Siri Feil, explora los temas de la identidad y la resiliencia a través de una representación honesta de algunos de los desafíos a los que se enfrenta la juventud urbana contemporánea. Wesley, un joven que evita el contacto con su entorno como mecanismo de defensa, ve su rutina alterada después de encontrarse con alguien relacionado con «algo que va más allá de este mundo». Desde una perspectiva propia de la Generación Z, la película ofrece una mirada auténtica y sin filtros sobre las experiencias de una generación que se enfrenta a cuestiones de identidad y pertenencia. El personaje principal, Wesley, está escrito e interpretado por personas transgénero, por lo que la película también pone de relieve la importancia de dar espacio a las narrativas transgénero.
Hsu Che-Yu with scriptwriter Chen Wan-Yin.
Produced by Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains
wach kunstraum (Bremen)
2022. Duración: 20'29"
En Blank Photograph, Hsu Che-Yu invita al exfabricante de bombas Yang Ru-Men a regresar a dos lugares vinculados a su historia personal: la costa donde solía realizar sus prácticas y la casa donde posteriormente su hermano se quitó la vida. A través de la recreación y el recuerdo, estos lugares se convierten en espacios donde los acontecimientos del pasado son revisitados y reconstruidos. En colaboración con un equipo forense de escaneado 3D, Hsu crea un doble digital de Yang y escanea su casa, trasladando estos recuerdos a un espacio virtual. La tecnología deja así de funcionar únicamente como un medio para registrar lo sucedido y comienza a intervenir en su reconstrucción, otorgando a la memoria otro cuerpo y otro espacio en el que existir. Al igual que el paisaje y la identidad, la memoria deja entonces de poder entenderse como algo exclusivamente orgánico o inmutable: puede reconstruirse, modelarse, reproducirse y volver a ser habitada.
Anne 2.0
Erica Eyres
ShapeeroMurray (Glasgow)
2018. Duración: 15'
La frontera entre cuerpo y tecnología termina por adquirir un tono deliberadamente absurdo en Anne 2.0, de Erica Eyres. Anne es presentada como un “robot de performance” que espera instrucciones para ejecutar acciones mientras relata experiencias profundamente ordinarias vinculadas a la familia y al consumo. Sin embargo, la máquina que vemos es un cuerpo humano interpretando a una máquina que reproduce comportamientos humanos. La obra invierte así la pregunta habitual sobre cuánto podrán parecerse las máquinas a nosotros: en un presente organizado por instrucciones, hábitos y repetición, se pregunta también hasta qué punto nuestros propios comportamientos han comenzado a adquirir características que asociamos con ellas.
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